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【苍斋原创】学画随笔(1-4)

14已有 927 次阅读  2015-10-21 15:18   标签苍斋  随笔 



(一)  

 中国书法、中国绘画的学习过程,归根到底,就是作者人格的成长过程。如果没有对自己人格的修炼,即使废纸三千,也会收效甚微。

 水墨丹青通过毛笔,在宣纸上留下的种种痕迹,简直是毫发毕现,一览无余。尽管作者志趣、师承不同,作品题材、风格各异,但是作者的人格是否成熟高尚,意志是否坚定老练,情绪是否沉稳自然,胸襟是否开阔坦荡,精神是否深邃旷远,最终决定了其作品的总体面貌、笔墨语言和思想深度。因为作者人格的每一个侧面——无论是从容、潇洒、坚毅、果敢、机巧,还是浮躁、虚荣、懦弱、矜持、愚钝,以及他的审美能力、洞察能力、想象能力、判断能力,都会明明白白地反映在他的书画作品中。

 所以,只要面对真正的行家,书画作品的水平是骗不了人的。那些职务头衔、求学经历,充其量就是一个参考。有人说过,谁能够抓住“笔墨的精灵”,谁就会在书画方面成就自己的造诣。但是我想,这个问题首先是把握住“自我的精灵”,其次才是笔墨经验的训练和积累。

 因此,书画一道乃寂寞之道,千辛万苦,归根到底是对作者的锤炼,难就难在这里。



(二)  

 中国画关于“似与不似”的说法由来已久。苏东坡说:“论画以形似,见与儿童邻”。齐白石说:“作画妙在似与不似之间,太似为媚俗,不似为欺世。”这些话曾被许多人所推崇。我刚刚学画时,很多师友也多次这样讲。画了很长时间以后,觉得对这些话还要重新理解。

 艺术作品的欣赏,是以欣赏者的共鸣为基础的。以山水画为例,无论是工笔还是写意,都要表现山川、树木、云泉、沟壑的形态。没有这一起码要求,就不能引起欣赏者共鸣。这便是“求似”的范畴。但是画界普遍认为,“太似”又是没出路的。因为:一种说法是,再似也似不过照片,不如去拍照;另一种说法是,中国画是讲究笔墨、强调写意性的,太求形似就破坏了这种审美特性。

 从这个观点出发,初学者就要出现困惑:不似,要不似到什么程度?讲究笔墨和写意性,又要讲究到什么程度?那些知名画家作画方法千差万别,评赏者褒贬不一,究竟哪些画法是值得提倡并具有生命力的?

 以我的经验看来,初学绘画,必须从求其形似入手,否则就是去了绘画价值。在宣纸上用毛笔作画,笔墨韵味和写意性是自然产生的,不可人为造就。即使画家的主观意识并不在于写意,画出来的作品也仍然体现着作者的主观意图和审美情趣,仍然是写意的。写实只是一个相对概念,纯粹的写实是做不到的。等到一个画家笔墨功夫纯熟之后,才可以谈“似与不似”的问题。“不似”应该有一个界限——要通过“不似”的外在形式,让欣赏者联想到“似”的神韵。这就是“神似”的涵义。

 中国画创作的理想境界,应该是给欣赏留有想象的余地。具体讲,就是通过笔墨的组合形式,能够引发欣赏者以自己的生活体验为基础,产生美好的联想,达到对艺术价值的再创造和情感升华。所以,“不似”是为了留足欣赏的空间,“太似”就堵死了这个空间。“不似”的说法,不能成为画家造型基本功不够的遁词;“神似”的概念,也不要充当蹩脚画家的遮羞布。

 随着绘画能力的提高,一个画家的成熟作品,自然会舍弃不必要的繁枝末节,也就是张大千所讲的“去掉废笔”,概括为凝练、含蓄、抽象甚至表意夸张的笔墨语言,“神似”也就自然产生。如果做不到这一点,反复铺陈的笔墨形式不能形成引发欣赏者联想的必要秩序,而是由于抽象不当破坏了这种联想,那就是失败的艺术。从这个角度理解,“似与不似”的问题只是一个画家瓜熟蒂落的成熟过程。



(三)  

 首先应该肯定“艺术源于生活”,其次才能理解“艺术高于生活”。

 虽然艺术不是照搬生活,可以通过曲折、间接的方式反映生活,可以反映典型化的生活,但是不能由于过分强调高于生活,就脱离真实的生活感受。

 就山水画艺术来讲,脱离生活感受,忘记造化为师,不能从气象万千的大自然中体悟山水真谛,其结果就是以古人和别人的符号作为创作的最终目的,而不是根据自己对山水的体验去抽象、提炼、概括出自己的笔墨语言。离开了生活的营养,只能是互相抄袭,千人一面,久而久之,不可救药。

 艺术家的思维应该始终是开放的,不排斥任何美好的事物,不走封闭僵死的道路。同时又要有自己对艺术规律和艺术形式的坚守,不能人云亦云,亦步亦趋,混淆艺术的边界,失去自我的追求。

 起点不高终身受累,眼界所限难为上品。幼稚者尚可走向成熟,僵死媚俗者积重难返,在末流技艺上孜孜以求的人最为可惜。



(四)  

 根据我的体会,学习中国画,重要的是解决好两个问题:一是明白什么样的画是好画。二是能够把心中的好画画出来。

 解决第一个问题,听起来很简单,实际上却是很复杂,很重要。要了解中国的文化传统和审美情趣,要学习中国绘画史,要看大量的绘画作品,要学习历代画家和理论家的论著,以及散见于题画、诗词、言论中的观点。对于画论,古人是良莠不齐的,现代人更是众说纷纭,因此要培养自己的鉴别力,对于懂不懂、像不像、好不好、敢不敢等问题,要有自己的主见。首先要解决这个问题,才能明白自己在哪里着眼,在哪里用功,在哪里增长见识,在哪里出成绩。有的画家没解决好这个问题,不知道中国画的最高境界是什么,虽然用功很勤,但是徒成下品,令人惋惜。在这个问题上,最容易犯的错误,是“传统虚无主义”,不承认千百年来约定俗成的审美理想和中国文化独有的符号魅力,功力不足而胆力过人,在创新中丢掉了传统。

 解决第二个问题,就是技法问题。这种问题可以向老师学,和朋友切磋,但是最终还是自己通过实践,把基本的笔墨规律熟练掌握起来。我认为,对待技法问题,应该从理论的高度去认识。画家是要关注具体技法,但眼睛不能只盯住一招一式的问题。绘画技法千变万化,要用成熟的理论去统领,用清醒的理论思维去选择、判断技法中的种种变化及其优劣。尤其要清醒地判断出什么样的创新是可贵的,什么样的变化是失败的。所以,无论是提高认识水平,还是提高技法水平,都要认真学习理论。不学理论的画家是盲目的,无所适从的,缺乏发展方向和整体文化意识的。

 解决以上两个问题,还涉及到一个共同的问题,就是绘画的目的。我们为什么要画画?有人不屑于回答这个问题。我认为还是明确一下为好。画画的直接目的,或者为参展获奖,或者得到收藏家青睐,或者受朋友之托,但这些都是手段。我认为,绘画的最终目的,是为社会制作文化消费品,画家从中获得劳动收益,欣赏者得到艺术享受。从这个立场出发,画家的艺术努力应该面向消费大众。尽管受众层次不同,有一定欣赏水平的受众自然会引领这种消费潮流。那种只有画家自己和美术圈子内才能欣赏的作品,有的属于形式超前,有待时间检验;有的则属于走进了死胡同,其生命力也是短暂的。



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